´Próximo Diciembre’ es una cancion en la que Robot95 expresa sus vivencias, experiencias y emociones a través de una invitación a Bruses y Javier Blake. Otro lado de Robot95, uno un poco más oscuro pero sin perder la esencia que lo caracteriza, con unos tonos a rock pero con un sutil hip hop acompañando.
El vídeo ilustra una infusión de estilos, como la colaboración misma. Basada en el formato 4:3 de los años 90s y 2000s, se buscó integrar al público de Javier Blake con este lenguaje visual propio de su generación.
Mientras que el dinamismo y los acentos juguetones dentro del clip caracterizan el lenguaje visual y branding particular de Robot95 y por último, para representar la esencia del proyecto de Bruses, se agregó el look and feel medio creepy pero siempre priorizando lo estético.
Acentuar todo esto fue fundamental para crear las bases del videoclip, parte de los toques especiales es el hecho de que todo el arte y diseño dentro del mismo fue hecho especialmente para el proyecto.
La pieza audiovisual es acompañada de un desglose de emociones y de diferentes estados mentales a través de un abecedario dando un fondo extra a la letra de la canción, para que todxs podamos reconocer e identificar los momentos en los que se siente tocar base con tu sombra y pensamientos.
La banda nos comparte una interesante colaboración con Pablo Hurtado de Camila
La aclamada banda de rock, Allison, está emocionada de anunciar el lanzamiento de su más reciente sencillo titulado “Mi Mundo Amanece Hoy”. Lo que hace que este lanzamiento sea aún más especial es la colaboración única de Pablo Hurtado, reconocido guitarrista de la banda Camila.
Además, el video musical de la canción ha sido dirigido por Manolín, ex bajista de Allison, lo que promete cautivar a los fanáticos con su emotiva letra y potente sonido, así como una visión visual excepcional.
La letra de “Mi Mundo Amanece Hoy” lleva a los oyentes en un viaje emocional, con versos que expresan el deseo de escapar y la búsqueda de un refugio donde el amor pueda florecer sin obstáculos. El lanzamiento de este sencillo y su video es solo el comienzo de una nueva etapa para la banda, que además estará festejando sus XX años el próximo 16 de diciembre en el Palacio de los Deportes ofreciendo una experiencia sonora única en formato 360.
La canción y el video ya están disponibles en todas las plataformas de música digital y YouTube.
Se daba por iniciado un día ordinario, donde las aulas no mostraban más allá de la sabiduría de los profesores y la vigorizante juventud de su alumnado, donde todos parecían convivir en perfecta sintonía, donde nada se salía de la normativa, donde el reloj pasaba lento para algunos, donde nada podía perturbar el orden natural de las cosas.
Alrededor de las 9:30 de la mañana un joven nada espectacular, un alumno más, aparece en el aula donde la profesora Fay Barnett impartía sus clases de inglés y quien al verle llegar, le pide que pase a dirección por un permiso de entrada dado el retraso al segundo periodo de clases. El joven se retira y regresa a los minutos pronunciado lo siguiente: “Maestra, ya tengo lo que realmente fui a buscar”.
9:45 am, un estruendo, 30 alumnos en shock, una maestra al borde del colapso y gritos por parte de aquel público fueron los protagonistas de tal suceso.
Los reportes policiales comenzaron a llegar a las estaciones cercanas a dicha institución, la voz comenzó a propagarse entre el recinto hasta llegar a oídos de la prensa quienes sin perder tiempo se aventuraron al punto clave de tal tragedia.
Al día siguiente, en los titulares se leía “Adolescente de la preparatoria Richardson se quita la vida frente a sus compañeros de clase.” Y es aquí donde la historia no termina, simplemente se transcribe…
A 31 años del lanzamiento del emblemático disco debut TEN de Pearl Jam, hablaremos de una de las canciones más controversiales de este álbum y que hasta el día de hoy toma relevancia debido a los recientes sucesos en el mundo, principalmente en nuestro país vecino.
Pero antes de comenzar, pongámonos en contexto: imagina que un día amaneces esperando encontrar noticias favorables en el periódico, y para tu sorpresa, en primera plana se lee la noticia de un joven que llevaba por nombre Jeremy Wade Delle el cual decide acabar con su vida de una manera totalmente inusual. Tu primera reacción es el asombro al imaginar a una persona tan joven cometer semejante acto, segundo, tratas de buscar la raíz del problema y después de meditarlo y no poder sacar tal noticia de tu cabeza, decides escribir una canción sin esperar el alcance que esta pudiera conseguir.
Jeremy es una de esas canciones que una vez entendido el tema no se puede ignorar, tal como le sucedió a Eddie Vedder, compositor detrás de dicha obra maestra. Vedder durante muchas ocasiones explicó que aquella noticia le parecía relevante, ya que es un tema de suma importancia y del cual nadie desea hablar debido al tabú detrás de dicho tópico.
Vedder mencionó para los medios en ese entonces: “Eso fue un artículo en un diario, y cuando estaba escribiendo sobre ello realmente pensé en conseguir una perspectiva de la persona de la cual se escribió, pero entendí que eso sería intrusivo. Me relacione totalmente porque tuve una experiencia similar con un niño con el que crecí. Estuve en un par de instancias con él y termino siendo, ya sabes, una especie de…quiero decir, se asustó. Su mundo explotó. Se asustó un poco y trajo un arma a clases un día. Era una clase de geografía y disparó a una pecera. Yo estaba en el pasillo y recuerdo haberlo oído.”
Y es que debido a la ola de violencia suscitada en escuelas durante los últimos años es imposible no pensar en las consecuencias detrás de muchas acciones: como el bullying, falta de atención a las infancias, y sobre todo, la perversidad de un mundo donde la regulación de armas no es suficiente para poder adquirirlas.
Sin embargo, ciertas decisiones detrás de esta canción en su momento la catapultaron de sensacionalista y cruel, ya que tras la idea de componer y lanzar este sencillo, se omitió ponerse en contacto con la familia del afectado debido a que no querían hacer más doloroso el duelo, y fue así que llevaron a la pantalla chica y a muchos radioescuchas un video y una letra con una historia incompleta.
En 2020, la madre de Jeremy, Wanda, hablo por primera vez del trágico suceso a la WFAA donde expresó lo siguiente: “el día que el murió no define su vida. Él era un hijo, un hermano, un sobrino, un primo, un nieto, él era un amigo. Él tenía talento.” Pues bien, la madre argumenta que la canción de Pearl Jam descontextualiza la vida de su hijo y no habla de los logros y los talentos que él tenía, cosas que le llenaban de orgullo tanto a él como a toda su familia y seres cercanos.
“Estaba enojada con ellos por escribir esa canción pensé: tú no sabes, no estuviste ahí, esa historia no es correcta”, comparte Britney, compañera de clases de Jeremy, quien al igual que muchos presentes ese día, no puede olvidar las imágenes de tal suceso.
Y aunque la decisión de presentar un video completamente controversial que se enfrentó a mucha censura en su tiempo fue un movimiento osado, la madre de Jeremy no quiere concentrarse en lo ya hecho, prefiere seguir prestando servicio y ayuda a personas y familiares que se encuentran en situaciones similares.
Aun con toda la controversia detrás de este emblemático tema, podemos encontrar luz al final de túnel; la historia de Jeremy ha llevado a muchas personas a generar asociaciones y brindar apoyo a gente que pasa por situaciones difíciles, educando a las personas, pero sobre todo a las infancias sobre salud mental y tratando de presentar iniciativas que lleven a una mejor regulación de posesión de armas en el país. haciendo de este suceso el inicio del cambio para salvaguardar la vida de muchas personas.
Por último, si estás pasando una situación difícil de la cual no veas salida, te invitamos a acercarte a centros de ayuda o bien contactar con la línea de la vida 800 911 2000 la cual se encuentra disponible las 24 hrs del día y brinda una atención personalizada a la población con problemas asociados al consumo de sustancias psicoactivas y de salud mental.
Desde florida, llega The Requiem con una propuesta musical que estoy segura regresará a más de uno a 2008-2009. Con dos sencillos y un video musical, la banda ha llegado a dar un salto de nostalgía pues con un sonido que más de uno nos será familiar seguro serán parte de tu playlist diaria.
El primero de estos sencillos, y del cual se desprende su primer video musical, es “Diary of a Masochist”, una rolita cargada de auténtico furor. Comienza con gritos espeluznantes y riffs de artillería pesada antes de pasar a un ritmo melódico, The Requiem presentaun sencillo con algunos matices inesperados y dramáticos en todas partes. Es un emocionante viaje épico y cinematográfico que va de atrás hacia adelante. Diganme que no estoy loca porque incluso yo diría que tiene parte de ese sonido “emo” que traía Alesana por alla del 2007 ¿no?
Al respecto, la banda compartió lo siguiente: “Inspirado principalmente en la legendaria Elizabeth Bathory, ‘Diary Of A Masochist’ habla de alguien que desprecia la piel en la que vive y hace todo lo posible para cambiar la forma en que se ve a sí mismo, sin importar cuán autodestructivo o equivocado sea”.
La segunda rolita es “I’ll Be Late For My Funeral” y trata de una enérgica amalgama de lo que hubieras escuchado en el escenario principal de Warped Tour de la década del 2000, neogótico y emo clásico, con un toque propio y sin sonar demasiado como el pasado. Las guitarras tormentosas y armonías que surgen en capas le dan a la canción una dosis extra de potencia.
“En el caso de ‘I’ll Be Late For My Funeral’ lo que tienes es una canción que intenta transmitir el sentimiento de alguien que ha luchado contra sí mismo toda su vida”, explica la banda. “El título refleja el sentimiento de que algunos de nosotros ni siquiera asistiríamos a nuestros propios funerales por la mala costumbre que tenemos de siempre huir”.
El groove es el impulso incontrolable de balancearnos al ritmo de la música y Mangrooves mantiene ese feeling como su estandarte. Nos traen una propuesta fresca pero al mismo tiempo clásica y elegante.
Desde España, la banda nos presenta “Don’t Say It Out Loud”, su nuevo sencillo el cual deacuerdo a Inés, la voxalista de la agrupación, se escribió cuando un amigo suyo decidió salir del clóset y se vio envuelto en una lucha que no tendría que existir, por una situación que debería ser tan normal como ir a comprar pan.
“Este tema intenta expresar los sentimientos de cualquier persona que se asume diferente en algún aspecto de la vida. Habla de cómo te puedes llegar a sentir libre y por otra parte, tener que luchar por ser de la misma forma de puertas para fuera. ‘Don’t Say It Out Loud’, es una utopía y expresa las ganas de que cada uno pueda ser como quiera ser, si necesidad de gritar nada”, menciona la banda.
Armenia es una agrupación colombiana conformada por Juan Antonio Toro (voz y guitarra), Ricardo Laverde (teclados), Juan Simón Ramírez (guitarra), Juan Diego Burgos (bajo) y Daniel Cardona (batería). El proyecto se oficializó como banda con el sencillo “Violeta” en febrero del 2019.
La agrupación se consolidó, con su primer álbum titulado “Armenia”, como uno de los proyectos musicales más importantes del año según varios comentarios en medios como El Espectador, Shock, Rolling Stone Colombia, entre otros. Gracias a su música y sus enérgicas presentaciones en vivo, Armenia ha logrado crecer su audiencia rápidamente, y por esto han tenido logros como ser la banda de apertura para proyectos como: Mi Amigo Invencible y Morat, un show sold-out en El Teatro Mayor Julio Mario Santodomingo, ser parte del cartel del Festival Estéreo Picnic 2022 y recientemente la banda logró tocar en el Movistar Arena, siendo el acto de apertura para 5 Seconds of Summer con un aforo de 8,000 personas, teniendo así una enérgica una aceptación por el público colombiano
Después de presentar su segundo álbum “Grita – II” la banda se encuentra haciendo música con el productor/Dj Daniel Broderick (Dani Boom), miembro fundador de Systema Solar y un figura importante en la movida Rave en Colombia.
“Génesis” es el sencillo que acompaña el lanzamiento del álbum. La canción está inspirada en el sonido de artistas como Tame Impala, Empire Of The Sun, Foster The People y Kaytranada. Habla de recordar y pensar en regresar, sea a un lugar o una persona y es una invitación a bailar. Es una canción que busca por medio de sus sonidos recrear un viaje al eje cafetero, en medio de El valle del cócora, con reverb y delay y una letra de desamor que parecería evocar nuevo comienzo, una nueva aventura, una nueva dirección.
La banda quería una canción divertida, psicodélica y con variedad de colores. La canción fue escrita por Juan Antonio Toro con ayuda de Andrés Felipe Sabogal, quien aportaría en la letra.
La joven y talentosa banda colombiana, se abre hacia una nueva aventura en tierras mexicanas. Después de haber pasado por los mejores festivales y salas de Colombia, tenemos el gusto de anunciar sus 2 primeras presentaciones en México junto a Los Discorde (CDMX) y Romaric (GDL).
Hace un tiempo escribimos sobre el nuevo sencillo “Más Lejos” de la banda brasileña Atalhos (Atajos en español) y como esta rolita es la primera escrita en español en su totalidad y nos parece increíble y super acertada la decisión que tomaron.
Checa abajo la entrevista que tuvimos con Gabriel Soares, integrante de la banda, sobre esta rolita y tambien sobre otras cositas que sabemos les van a interesar bastante.
La Banda estadounidense de deathcore llegará a nuestro país. Será la Ciudad de México en donde vendrán a presentar su Necromanteum Tour el próximo 12 de Diciembre en el nuevo Gato Calavera.
Los boletos están disponibles en:
Taquilla del Gato Calavera: Miércoles a Domingo de 2pm a 10pm
Circo Volador
Tianguis del Chopo: Puesto 141- Richard
Necrosis Metal store dentro de Plaza San Cosme
La cueva Metal shop: Av. Mexico-Tenochtitlan 89: Locales C-7 y C-9;Buenavista(a unos pasos del metro Revolución)
The Under shop: Av. de los Reyes 10, Centrourbano, Cuautitlán Izcalli
Tienda Mercedes Calle 10 #116. Entre Atzayacatl y Pantitlán Col. Porvenir
Tienda Sally: Escalerillas n.90, Col. Metropolitana 1a sección en Ciudad Nezahualcóyotl
Enjambre tendrá su primera gira en acústico llamada “Noches de salón”, la cual contempla dos fechas en el Auditorio Nacional este 13 y 14 de septiembre ambas totalmente sold out.
Nos contaron acerca de su nuevo proyecto “experimental” en el cual incluyeron sonidos propios de los boleros, danzón, swing, chachachá, mambo, samba, entre otros, los cuales fueron eligiendo tras juntarse a escuchar “música del cine de oro” de los años 40s y 50s en donde encontraron mucha inspiración para darle este “paréntesis experimental” a lo que conocíamos como Enjambre.
Los chicos nos platicaron acerca del proceso creativo detrás de este nuevo proyecto mudándose de unos instrumentos a otros para poder darle vida a lo que hoy es su álbum más reciente, con 15 canciones en las que se incluyen sus más grandes éxitos pero ahora en nuevas versiones, mismas que han llegado a considerar “mejores que las originales”
“Noches de Salón” fue grabado en el emblemático “Salón los ángeles”, lugar para ir a bailar (particularmente géneros como danzón, swing, chachachá, etc.) de la CDMX. Eligieron este lugar por su historia y tradición, pero sobre todo, porque al realizar la búsqueda para la grabación, vieron fotos de este espacio y solo pudieron decir “este tiene que ser”, consideraron que de manera visual era perfecto ya que “resguarda el ambiente clásico del baile de salón”.
Los chicos fueron creando este álbum conforme cada canción lo iba pidiendo, tomando en cuenta el contexto, por lo que ellos consideran que fue una “dificultad agradable” debido al sentimiento de la época que querían revivir, mencionando los años 40s y 50s. Nos contaron que para ellos, esta época está representada por su riqueza artística, musical y lírica. Esto último, lo tomaron como un referente, pero no como una réplica, lo que les dio total libertad creativa para reinventar sus más grandes éxitos. Aunado a esto, los chicos de Enjambre, mencionan que les gustaría que otras bandas pudieran darle un vistazo a la época de “la música del cine de oro” para implementar sonidos nuevos a sus proyectos.
Sin saber cómo recibiría el público este nuevo álbum, tomaron el riesgo y decidieron hacerlo teniendo como idea inicial realizar un acústico, pero “no queríamos que fuera algo convencional o trillado, queríamos hacer algo único pero todavía no encontrábamos el ritmo conceptual” nos comparten los chicos, hasta que escucharon un vinilo de Pérez Prado muy al estilo a gogó, fue en donde a Luis Humberto “le cayó la chispa” y dijo “este es el bueno, si vamos a hacer un acústico, que tenga estos tintes”, la propuesta les encantó y empezaron la búsqueda y selección de canciones, momento en el que se percataron de que muchas de sus canciones “se ponían de pechito” y se prestaban para adaptarlas a un nuevo ritmo el cuál fue considerado, pensado y un riesgo para cada canción, llevándolas por rumbos inesperados. Asimismo, los chicos mencionan que aunque trabajaron mucho en los nuevos sonidos y en integrar los nuevos instrumentos, fue hasta que lo grabaron cuando pudieron escuchar como sonaba, incluso, nos contaron que notaron el gran trabajo que realizaron hasta que las mezclas estaban hechas justo una semana antes de lanzar este álbum.
Con respecto a las letras, los chicos compartieron una anécdota muy graciosa en donde contaron que su mamá les hizo el comentario de que le había encantado la “nueva” canción “Enemigo”, lo que les sorprendió y les generó mucha gracia, pues dicen que este nuevo álbum ha permitido prestar una atención mucho más detallada a las letras de cada canción. Así, al estar más expuesta la letra, debido a que en este álbum no se hizo uso de sintetizadores y los instrumentos y sonidos son muy diferentes a lo que veníamos conociendo de proyectos anteriores de Enjambre, la voz de Luis Humberto logra apreciarse mucho más, permitiendo al público conectar aún más con la banda.
Mencionan que este proyecto fue algo completamente nuevo para ellos ya que incluyeron, por primera vez, a otros músicos e instrumentos, más allá de “los enjambres originales”. Así, nos comparten que a esta etapa de la banda le llamarían “Enjambre y su orquesta de noches de salón”
Volviendo un poco a la gira “Noches de Salón”, los chicos de Enjambre mencionan que dejaron una nota para sus presentaciones en donde sugerían que la vestimenta fuera “de gala”, situación que les sorprendió al presentarse el pasado 2 de septiembre en Guadalajara, pues sus fans sí tomaron la sugerencia y acudieron vestidos para una digna noche de salón; situación que esperan, se repita para sus presentaciones en el Auditorio Nacional este 13 y 14 de septiembre, compartiendo que los “invitados especiales” serán los asistentes y tendrán como telonera a Arroba Nat.
Por otro lado, nos hablaron un poco de los principales referentes que tuvieron para la creación de este nuevo proyecto mencionando a Toña “la negra”, Pérez Prado, trío los Panchos, Tito Rodríguez, entre otros.
Finalmente, los chicos compartieron que están muy felices por tener dos fechas sold out en el Auditorio Nacional y para todos(as) aquellos que no alcanzaron boletos, podrán ver la transmisión en vivo del concierto del jueves, 14 de septiembre, por medio de Twitch, así que todos y todas atentas a las redes sociales de Enjambre (@enjambremx) y Louder (@louderrtb) en donde podrán encontrar el link para dicha transmisión.
Hoy, Fieh comparte su nuevo sencillo “Streamline”, el más reciente adelanto de su nuevo álbum III y una prueba más de que la banda está liderando el movimiento del funk escandinavo. La voz de la cantante y compositora Sofie Tollefsbøl baila sobre una composición funky y pegajosa, apoyada por una línea de bajo ajustada. La letra de la canción se dirige a los “lamebotas” arrogantes y de mente cerrada y muestra el lado más conflictivo de la banda. Este es el último de los sencillos antes del lanzamiento de III el 15 de septiembre a través de Jansen Records.
